El Secreto de sus Ojos

(El Secreto de sus Ojos, Argentina/España, 2010)

Estrellas: ****1/2

Director: Juan José Campanella (Luna de Avellaneda. El Hijo de la Novia)
Actores: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Pablo Rago, Guillermo Francella

¿Sabias que?

La película ganó el Oscar como mejor película extranjera y el Goya dentro de esta misma categoría

Sinopsis:

Un hombre dedicó gran parte de su vida a resolver un caso de un asesinato, 25 años después éste sigue teniendo repercusiones en su vida.

Crítica:

Me cuesta mucho trabajo empezar a escribir de esta película pues me pareció simplemente extraordinaria. Hace mucho que no sentía algo como lo que sentí al verla. Y, aunque como lo puse en la crítica anterior, el sentir de cada persona varía según lo que ha vivido, El Secreto de sus Ojos sin duda está ejecutada con maestría.

No son sólo las creíbles actuaciones, o la impecable dirección de Campanella o lo sorpresivo del guión de éste mismo y de Eduardo Sacheri (autor de la novela La pregunta de sus ojos); es todo en conjunto, cada elemento en este filme se acomoda de forma que sorprende, que captura.

La historia es algo complicada pues dentro de la trama se cuentan muchas historias; pasadas, presentes y futuras. Pero a grandes rasgos, Darín interpreta a Benjamin Esposito, un investigador al que se le encomienda resolver el asesinato y violación de Liliana Coto.

Para investigar el caso se valdrá de la ayuda de su fiel compañero Sandoval (Francella), un hombre borracho pero al que le apasiona su trabajo; de la inspiración y consejo de la doctora Irene (Soledad Villamil), que será fundamental para este caso en particular y para la vida de Benjamin en general; y finalmente la motivación de este detective aumentará al conocer a Morales (Pablo Rago), pareja de la víctima.

Además la vida de todos quedará marcada cuando encuentran a Isidro Gómez, el principal sospechoso del asesinato. Éste individuo será un elemento que cambiará positiva o negativamente la vida de cada personaje.

Dentro de todo este engrane está la historia de amor entre Esposito e Irene, una relación platónica que permanece a lo largo de esos 25 años y que existe gracias a simples gestos y complejas miradas.

También es conmovedor ver lo que pasa con Morales, quien simplemente no encuentra cómo vivir tras la pérdida de su amada. Finalmente destaco la amistad incondicional entre los detectives que será puesta a la máxima prueba. Los tres ejes son absolutamente absorbentes.

De verdad esta historia demuestra que los ojos pueden decir más que las palabras… y que las palabras deben decirse cuando todavía se puede… y se siente.

Veredicto:
No me ofendo si no lees mi crítica, pero dame un voto de confianza y corre a verla en este momento.

Cartas a Julieta

(Letters to Juliet, EUA, 2010)

Estrellas: ***1/2

Director: Gary Winick (Si yo tuviera 13, Guerra de novias)
Actores: Amanda Seyfried, Vanessa Redgrave, Christopher Egan, Gael García Bernal,

Sinopsis:

Sophie acompaña a su novio a Verona, Italia en donde conocerá a las mensajeras de Julieta, mujeres que se encargan de responder las cartas de amor que distintas féminas le escriben a aquél famoso personaje. Entonces Sophie responde una carta de más 50 años…

Crítica:

Amanda Seyfried es una actriz con mucho carisma y que con sus recientes películas se ha ganado un lugar en la industria por su imagen de niña linda y carismática. En realidad una película como esta era todo lo que necesitaba en un personaje, una joven dulce a la que se le crea que quiere ayudar al prójimo.

Entonces, Sophie es una aspirante a escritora que llega a Verona debido a que su novio Victor (nuestro compatriota Gael García Bernal) está absolutamente enfocado en encontrar ingredientes culinarios, como éste no tiene tiempo para nada más ella debe encontrar algo que hacer. Así es como llega a la casa de Julieta, lugar en el que cientos de mujeres de todo el mundo le dedican cartas a esta teatral heroína contándole sus penas y alegrías en el amor.

Pero una entre las demás llama la atención de Sophie pues se escribió hace 50 años y no había sido vista. Ella la responde y para su sorpresa la autora Claire (Vanessa Redgrave) viaja desde Inglaterra acompañada de su nieto Charlie para seguir el consejo escrito por la joven: buscar al que fue el amor de su vida.

De éste modo la historia trascurre cuando los tres viajan por diversas provincias italianas buscando al famoso Lorenzo.

La película tiene toques de humor y la bonita amistad entre ambas mujeres es entrañable; pero sin duda las líneas románticas son las que provocan suspiros: el amor inconcluso entre Claire y Lorenzo y la creciente atracción a la que se resisten Sophie y Charlie. Éste último es interpretado por Christopher Egan, quien logra convencer como un joven escéptico y que cuestiona todo lo que hace la protagonista.

La fotografía logra retratar hermosamente la campiña italiana y la música aporta temas románticos y modernos que enmarcan este cuento de amor. Que, en verdad es eso, un lindo cuento que cumple perfectamente el objetivo de recordarles a las mujeres que una historia como la de Romeo y Julieta puede tener cabida en la actualidad.

Veredicto:
Una linda película de amor. Recomendada sobre todo para las mujeres.

Cita bonita:

“I want to observe that our response to every film depends on the person we bring to it. Pauline Kael said she went to a movie, and the movie happened, and she wrote about what changed within her after she saw it. This is quite valid. Sometimes, however, we go to a movie, and our lives have happened, and we write about what hasn’t changed”.

Roger Ebert

¿Sabias que?

Vanessa Redgrave y Franco Nero (que interpreta a Lorenzo) se conocieron en el set de Camelot, se enamoraron y se casaron después de 40 años.

“Watching art imitate life provides a charm that can't be faked” – From Peter Travers review of the movie, Rolling Stone magazine

Iron Man 2

(Iron Man 2, EUA, 2010)

Estrellas: **

Director: Jon Favreau (Zathura, Iron Man)
Actores: Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Scarlett Johansson, Mickey Rourke

Sinopsis:
Tony Stark debe enfrentarse a Ivan Vanko, un científico que ha logrado copiar la tecnología del traje de Iron Man y pretende utilizarla para vengarse de él.

Crítica:

Después de dos años el héroe de acero vuelve a las pantallas para mostrar a Tony Stark en una nueva faceta, una en la que su identidad como Iron Man es de dominio público.

Pero ahora en vez de dedicarse a los negocios parecería que Stark está enfocado solamente en ofrecer espectáculos cuyo único fin parece ser su lucimiento personal.

El personaje parece haber perdido toda motivación o vocación de ayudar a la gente, incluso ya no tiene ni el interés de manejar su compañía pues la pone en manos de su fiel asistente Pepper (Gwyneth Paltrow).

La relación con ella tampoco se desarrolla pues Tony está más concentrado en admirar las pronunciadas curvas de Natalie, su nueva asistente (Scarlett Johansson). Esta actriz ciertamente luce atractiva pero sólo adorna el cuadro, pues nunca aporta nada a la trama.

Es sólo hasta que aparece Ivan Vanko, mejor conocido como Whiplash, (Mickey Rourke) que Iron Man empieza a tener algo útil que hacer pues debe impedir que éste utilice un traje igual al de él en beneficio de un contratista (Sam Rockwell) que quiere lograr el poderío del ejército.

Las secuencias de acción entre el superhéroe y este antagonista son muy espectaculares pero distan mucho de ser relevantes. Al igual que en el resto de la trama en sus encuentros pasa mucho y a la vez no pasa nada; es decir, nunca ocurre algo verdaderamente significativo o que nos haga involucrarnos con los personajes. Ni siquiera el saber que Stark se esté envenenado con su propia armadura.

La película está filmada en California y en Mónaco y la fotografía de Matthew Libatique es cumplidora al igual que los efectos especiales, sobre todo en la secuencia del Grand Prix.

Pero haciendo un balance el guionista Justin Theroux (que escribió Tropic Thunder) aporta un guión que únicamente es otro adorno en la pantalla, misma que ya estaba recargada con efectos visuales, secuencias de acción y guapas féminas, y que ni con la dirección de Jon Favreau y la presencia de Robert Downey Jr. logra salir a flote.

Veredicto:

Con todo y su nuevo diseño y los muchos adornos la indumentaria de Iron Man termina siendo tan gris como el metal.

Camino

(Camino, España, 2008)

Estrellas: ****1/2

Director: Javier Fesser
Actores: Nerea Camacho, Carme Elias, Mariano Venancio

Sinopsis:
Camino es una niña alegre y soñadora que empieza a ver trucados sus sueños al quedar atrapada entre una terrible enfermedad y el fanatismo religioso de su madre.

Crítica:

Pocas han sido las películas que le otorgan el peso de la trama a un niño o niña y que esta historia sea tan dramática y poderosa como las centradas en alguien mayor. Y no es que no haya niños talentosos, es que los guionistas generalmente no escriben a favor de ellos.

Camino es una película que logra no sólo dirigir las miradas hacia una niña, sino que hace que todo a su alrededor exista para perfeccionarla.

En verdad merece todo el reconocimiento Nerea Camacho, quien a sus 14 años entrega una actuación dulce, enternecedora, auténtica y sobre todo entrañable. Todo lo que le pasa, bueno y malo, genera emociones para el espectador.

Dentro de la historia también juegan un papel fundamental sus padres, que son completamente dispares; Gloria (Carme Elias) es una mujer devota para la cual la fe está sobre cualquier cosa, incluso sobre la gente que ama. En cambio José (Mariano Venancio) es un padre cariñoso que motiva y celebra el carácter soñador de su hija, además de alentar su imaginación.

Para no contar mucho de la historia sólo diré que a Camino le detectan una enfermedad que empieza a consumirla lentamente. En este proceso su madre, ferviente devota del Opus Dei se empeña en ver la enfermedad de su hija como una bendición a la par que el padre se desgarra de dolor pero siempre con la mejor actitud hacia su hija.

Camino es profundamente optimista y enfrenta todo con la mejor cara, además motivada por el enamoramiento que empieza a sentir por un joven llamado Jesús. Es precisamente por éste nombre que el guionista se balancea inteligentemente entre la fe de la madre y de los sacerdotes y el primer amor de la niña.

¿Qué le critico a la película? Quizá la brutalidad de las escenas de las operaciones y los excesos en las fantasías, pero nada más.

El filme me recordó muchos elementos de otros: la fuerza que existe en la inmovilidad de Mar Adentro, la admirable actitud de La Decisión más difícil, la imaginación de una pequeña como la de Desde mi Cielo y el amor incondicional de un padre de La Vida es Bella.

Todos esos ingredientes y más están aquí, y están encaminados a la perfección. Reverencias para Javier Fesser que con su escritura y dirección nos lleva por un inolvidable camino emocional.


Veredicto:
Una historia emotiva y una niña extraordinaria me parecen suficientes para construir una película exitosa, y no por el dinero que recaude sino por las reacciones que genere.

Siempre he creído que el cine se trata de hacer que la gente sienta algo y con Camino se siente mucho. Lleva kleenex.

¿Sabias que?

-La película ganó seis Goyas, incluyendo mejor actriz, director, película y guión

-Está basada en el caso real de Alexia González-Barros

Man on Wire

(Man on Wire, EUA/ Ing, 2008)

Estrellas: ***1/2

Director: James Marsh

Sinopsis:
En 1974 Philippe Petit era un equilibrista que se propuso cruzar las Torres Gemelas.

Crítica:

Philippe Petit es un hombre desquiciado, y no porque carezca de facultades mentales, simplemente porque no se pone límites. No cree en imposibles y siempre busca ir más allá.

Durante algunas escenas conocemos un poco de su trayectoria y sus hazañas en París y Sydney. Pero con el tiempo también crecieron sus aspiraciones.

En este documental, ganador del Oscar, se recopilan los testimonios y anécdotas del francés y del equipo que lo ayudó durante el que sería el reto más importante de su vida.

Su objetivo: cruzar las Torres Gemelas de Nueva York, los 60 metros que existían entre la Torre Sur y Norte por medio de un cable y apoyado solamente de una viga de equilibrio.

Aquí cada personaje nos cuenta un capítulo de la historia para que la vayamos construyendo. Cada uno es un ingrediente fundamental, además mostrado a cuadro de forma representativa.

En definitiva los más fantásticos son el mejor amigo, Jean-Louis, y la novia de Philippe, Annie. Ambos no son sólo leales sino que apoyan a este artista con verdadera convicción. Genuinamente creen en lo que está haciendo. Y no importa si lo hacen porque en verdad lo sienten o sólo por apoyarlo, ambas razones son igual de loables.

Aquí las torres no sólo sirven de escenario sino también poseen cualidades humanas; Philippe las conoce como idea y se enamora de ellas, después las visita en varias ocasiones, luego las memoriza y finalmente las conquista…

Creo que lo más extraordinario de Man on Wire son las imágenes; se recurre a recrear eventos, a entrevistas, a videos y a muchas fotografías, éstas últimas son asombrosas, verdaderamente quitan el aliento.

El director acompaña lo que vemos de poderosas melodías creadas por Michael Nyman, responsable entre otras cosas del score de El Piano. Además se incluyen atinados temas como las Gymnopédies de Erik Satie.

Probablemente lo que resulte un poco cansado es el ritmo pues lo que ocurrió no se cuenta de forma lineal y algunas partes de tornan cansadas. Pero de cierta forma Philippe y su carisma salen a flote, como también sale bien librado de su hazaña.

En este documental se aprenden varias lecciones, la más importante que la pasión te puede llevar lejos, o por lo menos a 417 metros de altura…

Veredicto:

Ojala te gusten los documentales, o las historias inspiradoras, o Nueva York, en cualquiera de estos casos vas a disfrutarla.

El Último Camino

(The Road, EUA, 2009)

Estrellas: ***

Director: John Hillcoat (The Proposition)
Actores: Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Charlize Theron

Sinopsis:
En pleno Apocalipsis un padre y su hijo se las ingenian para sobrevivir.

¿Sabias que?

La cinta está basada en la novela homónima de Cormac McCarthy, ganadora del Pulitzer en el 2007

Crítica:

Sin un contexto de espacio o tiempo, pues no se establece en qué año trascurre la historia, una familia vive con los recursos que tiene a su alcance para mantenerse con vida. La familia consta de un hombre (Viggo Mortensen), su esposa (Charlize Theron) y su hijo (Kodi Smit-McPhee).

Nunca se especifica qué fue lo que ocurrió o conllevó a la destrucción de la tierra, pero las ciudades están devastadas, no hay comida y los pocos humanos que subsisten han perdido cualquier estructura (política, social o económica) volviéndose salvajes. Eso es lo más aterrador, que el peligro no radique en extraterrestres o zombies sino en nosotros mismos.

La idea de que lo primero que pierdan los hombres durante una crisis sea su humanidad me recuerda obras literarias como Ensayo Sobre la Ceguera, en donde los individuos retoman prácticas bárbaras y primitivas con tal de prevalecer; siempre pasando por encima de otros, comiéndose a otros, literal. Pero como bien observó Darwin, sólo los más fuertes sobreviven.

Esta odisea está contada con un ritmo pausado e ilustrada con una fotografía sombría realizada por Javier Aguirresarobe (quien ha trabajado con directores de la talla de Almodóvar, Amenábar y Woody Allen). Las grises imágenes trasmiten cómo sería vivir en medio de un cataclismo, en donde no hay reglas y las pocas que se tienen cambian por las mismas situaciones. El niño continuamente le dice a su padre: Are we still the good guys? Frase poderosísima que induce que los instintos de sobrevivencia rebasan a la razón y al buen juicio.

La actuación de Viggo Mortensen es notable ya que aunque siempre tiene por objetivo el bienestar de su hijo no puede evitar trasformarse en el camino. El joven es interpretado por Kodi Smit-McPhee, quien en su debut ofrece una actuación genuina y conmovedora.

Algunas escenas contienen una alta dosis de violencia y mucha crudeza -elementos que en lo personal sentí excesivos-, pero quizá son necesarios para contar una historia que genere que la audiencia se incomode, sentimiento que precisamente refleja la misma incomodidad a la que se enfrentan los personajes.

Esta película resulta mucho más realista que otras sobre el tema como El día después de mañana, Soy leyenda o El libro de los secretos, aunque también precisamente por esta crudeza es mucho más inquietante.

Veredicto:

Vela si gustas de las cintas de éste género, es un buen ejercicio sobre el Apocalipsis, no por ello sencillo de ver.

Cita de Stephanie Zacharek “Hillcoat's movie takes the core idea of McCarthy's novel -- What does it mean to hang onto our humanity? -- and boils it down to its essence. And though he is, on the whole, too reverent toward the source material, he doesn't buy into the notion that a book or a picture is good just because it's disturbing, because it makes us face ideas -- or, more important, images -- we don't want to face.”